Valerie Krause / Shifting Volume

 

Valerie Krause /

Shifting Volume

 L21 

Madrid

23.05.15 – 31.07.15

english version below

 

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El otro día visité la exposición de Valerie Krause (Herdecke, Alemania, 1976) en la sede madrileña de la galería L21. Shifting Volumen es el título de la primera individual de la artista en España, expandiendo con ello su trayectoria expositiva, que descubre una carrera firme y constante, que la ha llevado desde 2006 a galerías y espacios culturales de Marsella, Berlín, Bruselas, Colonia o Düsseldorf.

Valerie presenta un perfil formativo curioso. Comenzó estudiando para llegar a ser maestro/oficial de albañilería, lo que la hizo sumergirse en el conocimiento real, práctico y rotundo del uso y manipulación de materiales como la pierda o el hormigón, sin necesidades interpretativas. A posteriori decide dar un giro y cursa estudios de escultura en la Kunstakademie de Düsseldorf durante el 2001 al 2007, realizando una escapada enriquecedora de un año a la  École Nationale Supérieure des Beaux-Arts en Paris con Richard Deacon. Esta completa formación vino a definir su proyecto artístico, en el que se da un contrato armónico entre lo natural y cultural, entre lo utilitario y la autonomía-dependencia del sistema del arte.

La exposición individual en L21 actúa a modo de propuesta específica en el espacio, con el que siempre trabaja la artista (la escultura en un lugar y contexto determinados). La muestra se despliega en tres capítulos de una narrativa a la vez fragmentada. Nos da la bienvenida una pieza robusta pero en suspensión, elevada contra la pared, ocupando el espacio de la vitrina, en ese dentro fuera de Doctor Fourquet que es The Window. Se trata de una escultura tosca compuesta de planos cegados, contrapuestos, que a la vez se sostienen entre sí…

A continuación entramos en la sala principal, con la que la artista ha trabajado tan a fondo (incluyendo maquetas). Este espacio supuso un gran reto para la artista y su modo de trabajar y es que la sala es de un blanco tan uniforme que parecer eliminar las delimitaciones entre suelo, techo y paredes, generando con ello casi una abstracción donde las dimensiones espacio-temporales se desvanecen en pos de una apreciación “pura” de la pieza. Krausse presenta en ésta dos esculturas, las cuales parecen flotar en el espacio, modificándolo a la par que evidenciando claramente las características físicas de las mismas, a partir de cuya diferencia se ponen a dialogar. La pieza de suelo, de hormigón y ángulos cortantes y presencia pesada, contundente y esencialmente horizontal contrasta de manera interesante con otra estructura liviana y más tendente a la verticalidad, sosteniéndose en equilibrio aparentemente precario. Esta segunda está realizada a base de madera, acero, tela, y pintura. La mirada sobre ambos volúmenes realiza un dibujo en movimiento sobre el lienzo en blanco que es la sala central.

Sus esculturas toman innegablemente como punto de partida muchas de las premisas del minimal, ya no sólo por la desaparición del pedestal, la exploración del espacio o el uso de materiales diversos, sino también por la tendencia determinada a la sencillez, por la llamada a la interacción física con las piezas, y la autonomía o dependencia del sistema en el que se inserta. Sin embargo, se trata de una escultura de sesgo totalmente poético y emocional que la hace separarse tangencialmente de este movimiento y sin embargo acercarse, establecer conexiones con la que podríamos llamar generación escultórica portuguesa, capitaneada por Mauro Cerqueira, y seguida de representantes como Gonçalo Sena o la maravillosa Ana Santos, en ese juego espacial de la escultura instalativa y de la poética de la tensión, la debilidad, el equilibrio, la densidad, la construcción y la destrucción.

Dos fotografías rematan la visita, ubicadas en la pared del despacho. La fotografía ha sido un elemento clave en la trayectoria de Krause, acompañándola en su trabajo como escultora, intensificando la apreciación de las mismas. Huyendo de la literalidad en su función, actúan a modo de apuntes evocadores que generan movimiento y aportan un elemento afectivo que a la vez extiende la sensualidad formal de las esculturas. Las que vemos en esta ocasión poseen un punto extra de interés, y es que asumen un carácter tridimensional, objetual, por la acción de haber sido horadada su superficie, haciéndola visible, presente, escultórica. Me resulta especialmente atractiva esta relación y dependencia que vemos en el trabajo de Krause pero que se da a nivel más general, en cuanto a la relación cambiante e intercambiable entre la escultura y la fotografía, véase, la tendencia de la foto a lo tridimensional y la continua pervivencia de la escultura a través de la fotografía (catálogos, web, Internet) generando ese continuo cambio de aspecto, transformación de las dimensiones, …

Tras una mirada algo profunda a su trabajo apreciamos no solo la calidad de su propuesta, sino también la reverberación íntima de capas y posibilidades, sofisticación y elegancia contundente que encierra cada pieza.

 

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Valerie Krause /

Shifting Volume

 L21 

Madrid

23.05.15 – 31.07.15

 

 

The other day, I visited Valerie Krause’s exhibition (Herdecke, Germany, 1976) being held at L21 gallery’s subsidiary in Madrid.

Shifting Volume, the artist’s first solo show in Spain, expands her exhibition history by unlocking its strength and perseverance, which has led her to several galleries and cultural spaces in Marseille, Berlin, Brussels, Cologne or Düsseldorf since 2006.

Valerie has a peculiar academic profile. Starting as a stonemasonry apprentice; it enabled her immersion in the true, practical and categorical use and handling of materials such as stone or concrete, with no interpretative or communicative needs. Between 2001 and 2007, she makes a shift in her career at Dusseldorf’s Kunstakademie where she develops her sculpture skills, enriched by a one year short-break at Paris’ École Nationale Supérieure des Beaux-Arts alongside Richard Deacon. This complete education helped define her artistic project, in which a harmonious engagement between nature and culture takes place, utilitarianism and the art system’s autonomy-reliance.

The exhibition at L21 acts as a specific proposal for this particular space, which is an ever-present feature in her works (a sculpture in a given place and context). The exhibition is displayed in three chapters of a narrative, which is in turn fragmented. We are welcomed by a single sturdy piece hanged high onto the wall, filling the display case of this inside-out space known as The Window at Calle Doctor Fourquet. This is a coarse, blind spot compound sculpture, with overlapped and opposed layers that are also supporting each other…

We then enter the main room, which the artist has put so much work into (including models). This space was a big challenge for the sculptress and her workflow; the room is so smoothly white that the limits between floor, ceiling and walls appear to have vanished; thereby generating an almost abstract environment where the dimensions of space and time fades in search of a “purest” appreciation of the work. Here, Krause presents two sculptures that appear to be floating in space, modifying it and also showing clear evidence of its physical properties; establishing a dialogue from their range of differences. The piece on the floor, made of concrete with sharp angles and heavy appearance, blunt and essentially horizontal; interestingly contrasts with another light structure tending more towards verticality, standing yet apparently unbalanced. This second one is made of wood, iron, fabric and paint. The eye, when looking at these two architectonic volumes draws an image in movement upon the white canvas which is the central hall.

Her sculptures undeniably uses many of the premises of minimalism as a starting point, not only because of the absence of pedestals, the exploration of space or the use of different materials; but also for a particular trend towards simplicity, the calling to the physical interaction with the works and the autonomy or reliance within the system in which it is inserted. However, it is a sculpture with a powerful poetic and emotional meaning, making it separated incidentally from this movement, yet approaching it and establishing connections with what we may call the current Portuguese sculpture generation, led by Mauro Cerqueira, and followed by representatives such as Gonçalo Sena or the phenomenal Ana Santos, through this spatial fiddling within sculpture, installations and the poetics of strain, weakness, balance, density, structure and destruction.

The visit ends with two photographs facing onto the office wall. Photography has been a key element in Krause’s career, following her along her works as a sculptress, highlighting their value. Escaping from its functional literality, they act as evocative notes that generate movement, offering an emotional element which enhances the formal sensuality of the sculptures. The ones that we see on this occasion hold an extra value of particular interest; and that is, they assume a three-dimensional character, objectual, by the fact its surface has been pierced, making it visible, present, sculptural. I find particularly attractive the reliance and dependency – carried out more at a general level – present in Krause’s works, with respect to the shifting and exchangeable relationship between photography and sculpture; such as the tendency of photography towards the three-dimensional and the ongoing preservation of sculpture by means of photographs (catalogues, web, Internet) creating this continuous change of appearance, dimensional transformations, etc…

After taking a slight deep look into her work we appreciate not only the quality of Krause’s proposal, but also an intimate reverberation of layers and possibilities, sophistication and overwhelming elegance enclosed in each work of art.

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