To Whom it May Concern / Rubén Grilo

Tras exponer en el Espai13 de la Fundació Joan Miró de Barcelona e inaugurar ‘Proof Of Concept’ en la galería Union Pacific de Londres, entrevistamos a Rubén Grilo via email. Realizando una acotación de su relación con su obra, repasamos sus anteriores trabajos e introducimos nuevos proyectos.

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En tu última exposición en Espai1, cuestionabas la posibilidad de generar arte más allá de los aspectos psicológicos del artista o la obsolescencia de los conceptos de originalidad y subjetividad. Ahora que la exposición ya ha terminado ¿En qué estadio consideras que se encuentran estas ideas?

De hecho creo que estas ideas han estado siempre vigentes. También creo que se resumen en una sola cuestión y es, por qué no se pueden separar obra y artista. Por qué el arte hoy se aguanta sobre las mismas ideas, los mismos preceptos, los mismos mitos y leyendas sobre la inmanencia del yo a pesar de Art & Language, a pesar de Jack Burnham, a pesar de la cibernética o del arte político. La subordinación del arte a ficciones como la originalidad es la prueba de lo monolítica que puede llegar a ser esta idea de sujeto. La gente se enfadó con la nota de prensa de mi última expo porque estaba escrita como una confesión en la que me desconectaba emocionalmente de la obra. El arte es una especie de aparato de legitimación de esa correspondencia entre el yo y los subproductos del yo. Por ejemplo, a la gente le parece inconcebible que a un artista no le guste su trabajo. Pero ¿Por qué iba a tener que gustarle? ¿Por qué es diferente de cualquier otro trabajo?

 

En esta exposición presentaste igualmente la obra ‘Everfresh’, me gustaría profundizar en las distintas ideas que te llevaron a su desarrollo ¿Qué consideras más interesante de su comercialización?

Everfresh es una línea de ocho colores básicos de pintura al óleo hecha en colaboración con Kremer Pigmente. Se presentará públicamente en la Bienal de Berlin y se podrá comprar a través de www.everfresh.online. La particularidad de esta pintura es que tiene base de aceite de caja de cambios, para que no seque nunca.

Quería darle la vuelta a la idea de que las obras de arte no cambian, como si se alinearan con los materiales en una especie de estabilidad perfecta. Porque no es verdad. En realidad, cualquier material está en continua transformación. Nuestro cuerpo, que siempre experimentamos como una unidad, está cambiando de células todo el rato. Lo que importa es el modelo organizativo que le da continuidad del conjunto. Eso es lo que permite que podamos reconocernos como una única persona. Lo mismo con el arte.

Nunca le di muchas vueltas a la diferencia entre producto y obra. Si el arte depende de una idea de sujeto obsoleta, tarde o temprano tendremos que redistribuir sus funciones y empezar a cargarnos esas categorías porque ya no serán operativas. Están atadas a una determinada idea de autoría y a su escasez, a la personalidad del artista y la economía que gira a su alrededor. Así que más que hacer un producto, quería hacer un material; quería anticiparme al momento en que las decisiones ya solo pueden ser artísticas y solo pueden ser mías.

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En anteriores ocasiones has puesto en relación tu obra con los planteamientos conceptualistas de los 60 y 70 respecto a las nuevas tecnologías, y a internet en concreto. ¿Qué puedes decir de esta relación hoy?

Estoy de acuerdo con Peter Osborne en que todo el arte hoy es post-conceptual. En ese sentido, mi relación con el conceptualismo es tan interna y subconsciente como la de cualquier otro artista. Otra cosa es el momento histórico, los temas que estaban sobre la mesa y lo que podemos aprender de su experiencia. En mi caso particular, siempre lo he utilizado como un modelo para entender mejor el proceso de osmosis informática que atravesamos ahora, pero también la importancia de la industria. No me interesa para nada el arte conceptual del slapstick ni el diseño de interiores, mi interés está más relacionado con la cibernética.

 

Y en cuanto a la exposición “Twenty Thousand Years of Yarn” que comisariaste en Future Gallery ¿Qué nos puedes decir sobre ella? ¿Cómo relacionas este proyecto con tu trabajo como artista?

Digo que fue una exposición comisariada por mí para que nos entendamos, pero el tipo de decisiones y el proceso no fue muy diferente a montar una exposición individual, exceptuando el estar trabajando con tantas personas, lo cual enriquece mucho el resultado. Tenía muchas ganas de hacer algo así y Michael Ruiz me dio la oportunidad de hacerlo su galería, lo cual me permitía acceder a un público informado sobre los temas que estaba trabajando. Pero no solo había artistas. Había trabajo hecho por insectos, corporaciones e ingenieros. Para mí era importante darle a todos ellos dignidad artística sin cinismo ni exotismo.

 

 

Installation view Espai13, Fundació Miró 2015

Installation view Espai13, Fundació Miró 2015

15_01_Installation view at Gasworks studio, London 2015

 

Por último preguntarte sobre tu próxima exposición en NoguerasBlanchard. ¿Podrías adelantar que es lo que tienes preparado?

Estoy trabajando en unas esculturas hechas con materiales típicos del diseño industrial y otros muy primarios. Mezclando construcciones de paja y esculturas hechas con arcilla de automoción y poliestireno. También estoy replicando brazos escayolados y extrayendo fragmentos de firmas de bancos de imágenes que luego son extruidas sobre plástico rígido. La última exposición en Union Pacific, mi colaboración en una colectiva que inaugura pronto, comisariada por Melanie Bühler, y unas experiencias con realidad virtual para un proyecto que se presentará en Menlo Park este verano, van a modelar un poco el trabajo de Madrid.

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