Iñaki Domingo. Entrevista

Nos reunimos con Iñaki Domingo para hablar de sus proyectos más recientes (Exposición en el Instituto Francés, editor del tomo Photographicness de CPHOTO junto a Charlon Cotton, exposición en PHE 2014…)

por Cristina Anglada

 

ID_FSTN_005

 

C. Te defines-presentas como fotógrafo, editor, docente y comisario. Comentaste que esto derivaba de tu intenso y caleidoscópico interés por la fotografía. ¿Por qué la fotografía? ¿cómo surge este interés?

 

I. La verdad es que no soy demasiado amigo de las etiquetas, pero ciertamente me dedico, en mayor o menor medida, a las cosas que enumeras arriba. Además creo que son complementarias, las veo como diferentes prismas de un mismo poliedro. Llegué a la fotografía temprano, en los primeros años de la carrera, y desde entonces he tenido una relación intensa con ella. Es la forma más natural, probablemente la única, que he encontrado de relacionarme con el mundo de una manera íntima. Me sirvo de la fotografía para abordar las cuestiones que me interesan y me preocupan. Como es lógico, estas preocupaciones han ido mutando, depurándose a lo largo de los años, aunque tienen una raíz común que podría resumirse en un par de preguntas sencillas: ¿quién soy? y ¿qué hago aquí?

 

C. Me interesa mucho la serie fotográfica Ser Sangre que realizaste con tu familia y que recoges en un libro. Podría considerarse un buen punto de inflexión en tu trayectoria, en torno al cual se concentran diversos intereses y acercamientos que has venido practicado durante años. ¿Me podrías hablar un poco de este trabajo y de qué manera consideras concluido con ello algunas cuestiones?

 

I. Ser Sangre es uno de mis últimos proyectos y, si nada se tuerce –digo esto cruzando los dedos–, verá la luz este año en formato libro. Los creadores somos gente solitaria y, de algún modo, llevamos una vida al margen de las convenciones. Mi familia siempre me miraba raro cuando les contaba en qué empleaba mi tiempo, así que decidí desarrollar un proyecto colaborativo en el que todos los miembros, mayores y pequeños, pudiesen participar activamente, y así se familiarizasen y comprendiesen mejor mi práctica cotidiana. La idea raíz era intentar crear un tótem visual colectivo que hablase de nosotros, una especie de definición colectiva de nosotros mismos. Aprovechamos unas vacaciones de verano, que es cuando más tiempo tenemos para estar juntos, para llevarlo a cabo y cada uno iba aportando lo que entendía que podía ser interesante. Me sorprende cómo gente que no tiene una especial relación con el arte lo entiende y lo pone en práctica. De pronto había gente haciendo instalación, otros body painting, otros recopilando archivos, otros realizando acciones… era fabuloso ver cómo intuitivamente iban adueñándose con toda naturalidad de formas de hacer propias del mundo del arte; y yo me dediqué a recopilar y documentar todos estos materiales, aparte de aportar al proyecto mis propias fotografías. Además, había otro asunto que me interesaba tratar. Siempre me ha llamado la atención ver cómo los álbumes de familia están repletos de sonrisas congeladas, parece que la vida de la gente fuese una constante sonrisa y no hubiese momentos otros. ¿Por qué nunca aparecen imágenes que evoquen la tristeza, el aburrimiento, la ira, la cotidianeidad? El proyecto busca mostrar el flujo natural de la vida, su ritmo caótico, mezclando todo tipo de situaciones y elementos cotidianos. Me gustaría que cuando el espectador vea el libro o la exposición se quede con una sensación general, una especie de inmersión, más que con una lectura lineal que vaya de “a” a “b”. Respecto a la segunda parte de tu pregunta, efectivamente, este proyecto representa un punto de inflexión en mi trayectoria y me sirve para dar por concluida mi etapa de toma de consciencia como creador. En estos primeros 16 años he abordado proyectos que tenían que ver con la definición del “yo” y en los que he trabajado con mi entorno próximo, aludiendo a la definición lacaniana de “el estadio del espejo”, y Ser Sangre significa es para mi un punto y seguido. Mis proyectos recientes abordan cuestiones relacionadas con la fotografía como medio, con el lenguaje visual y con la materia de la que están hechas las imágenes. En todo caso, quizá sea aún pronto para hablar de estos asuntos ya que, como quien dice, acabo de empezar.

_MG_1424

_MG_1193

_MG_0264 2_1

_MG_0435

_MG_7049

_MG_8624

_MG_8307

C. Tu trabajo parece ser recorrido constantemente por un interés y tratamiento conceptual. ¿Podrías hacerme una especie de genealogía de tus diversos acercamientos conceptuales a la fotografía?

 

I. Quizá resulte una obviedad decir que toda práctica artística es conceptual por definición, pero me parece importante partir de este precepto. Al comienzo, lo que me resultó atractivo de la fotografía fue su capacidad para contar historias mediante un lenguaje universal. Después, comprendí que este lenguaje no era unívoco, lo cual hacía las cosas más complejas pero a la vez más interesantes. Ahora estoy centrado en investigar el propio medio fotográfico y no tanto en contar historias a través de la fotografía. En este sentido, mis proyectos han derivado de lo documental a lo conceptual y mi trabajo presta especial atención al proceso sin descuidar, claro, el resultado.

 

C. En la exposición del Instituto Francés has mostrado tus últimos trabajos, donde pareces estar ejecutando una línea de trabajo que practica la depuración de la narrativa en pro de una experimentación con los elementos básicos de la fotografía ¿me podrías hablar de ello?

 

I. Tuve la suerte de trabajar en esta exposición, LÁSER, con Alejandro Marote, con quien comparto intereses creativos y algunas líneas de investigación. Los trabajos que incluí en esta muestra forman parte de mis proyectos más recientes, de los que hablaba más arriba. Busco desnudar la imagen, eliminar capas de narratividad hasta quedarme con su núcleo estructural –forma, luz, color– y así llegar al límite de lo representable. El trabajo tiene claras referencias a corrientes como la abstracción o el minimalismo, y surge como una forma de resistencia activa al momento tan complejo que vivimos, como una propuesta de retorno a la unidad elemental.

 ID_FSTN_006 (1) ID_FSTN_012 ID_FSTN_015 ID_FSTN_014 ID_FSTN_009

C. Has publicado junto con Charlotte Cotton el maravilloso volumen de CPhoto Fotograficidad y que recoge muy bien las nuevas experimentaciones fotográficas tras ese agotamiento narrativo de la imagen en la era actual. Esto me interesa especialmente, sobre todo, con relación al rumbo que esta tomando la fotografía hoy en día en la era digital y post-internet. … ¿cómo surge este número? ¿cómo fue el proceso de selección y reflexión para realizarlo?

 

I. Durante más de cuatro años fui responsable del departamento editorial de Ivorypress y editor de la revista C Photo. En cada número contábamos con un editor invitado, y yo tenía muchas ganas de trabajar con Charlotte pues creo que es una pieza clave en el cambio que está sufriendo la fotografía en los últimos tiempos. Charlotte tenía las cosas muy claras en cuanto a la propuesta editorial y el tipo artistas con el que quería que trabajásemos, así que nos puso las cosas muy fáciles; fue una gran experiencia de la que aprendí mucho en cuanto a cómo traducir el discurso de un artista en páginas impresas de una publicación. Más allá de publicar porfolios al uso, ella propuso que ofreciésemos una cantidad de páginas a cada artista para que tradujesen a esta publicación sus procesos de trabajo y de creación de imágenes en proyectos específicos que estaban en diferentes fases de definición. El resultado del conjunto es, bajo mi humilde opinión, muy equilibrado y las propuestas individuales realmente brillantes. Creo que todos quedamos muy satisfechos con el resultado.

Iñakicphoto 2

C. Como comisario estás preparando también con Cotton una exposición para PHE sobre el panorama fotográfico español hoy. ¿Me hablas un poco de su proceso?

 

I. Desde 30y3.com, plataforma dedicada a la promoción de la fotografía española contemporánea que dirijo junto a Luis Díaz Díaz, teníamos intención de organizar una exposición que mostrase el trabajo que hemos estado haciendo en los últimos años. Aprovechando que este año el tema del PHE es “España”, nos pareció un momento idóneo para hacer llegar a la organización nuestra propuesta. Queríamos huir de una lectura tradicional, tipo “comisarios españoles trabajando con artistas españoles”, y quisimos ir un poco más allá. Nos pareció interesante proponerle a Charlotte trabajar juntos creando un equipo horizontal de comisariado compuesto por nosotros tres, a lo que ella accedió de buen grado. El proyecto, que forma parte de la Sección Oficial del festival y podrá visitarse en el Teatro Fernán Gómez entre el 4 de junio y el 20 de julio, se llama P2P. Prácticas contemporáneas en la fotografía española, y con el pretendemos articular y poner en común las prácticas y teorías más innovadoras de la creación fotográfica española más actual. Más allá de proponer una exposición-mausoleo en la que los artistas y los comisarios nos encontremos en la sala el día de la inauguración, estamos trabajando intensamente por crear un espacio orgánico y de interacción entre los 24 artistas que conforman la exposición y el público. Queremos “tomar” el espacio y que se convierta en un laboratorio para el debate y la reflexión en torno a la fotografía, donde haya actividades de toda índole y donde un buen número de agentes implicados en el desarrollo de la fotografía española también estén representados.

 

 

C. ¿Qué piensas de la situación actual en España con respecto a la fotografía? Parece que se ha dado un pasotismo por parte del sistema de arte y sus instituciones y que ha sido suplido por el surgimiento de escuelas, galerías alternativas y grupos que se han reunido y hecho fuerza. Uno de ellos ha sido el colectivo de NOPHOTO del que formas parte activa.

 

I. Aunque no soy especialista en este tema, tengo la misma sensación que tú. Resulta lamentable que en la creación aún haya guetos y que todavía se debata si la fotografía es o no es arte. Sería fantástico que las instituciones y agentes trabajasen a favor de la normalización de esta situación, para poder avanzar hacia territorios más fértiles que planteen debates más interesantes. Por otro lado, este pasotismo institucional ha dado pie a que surjan iniciativas independientes francamente interesantes que buscan visibilizar el trabajo de muchos creadores en la sombra. Desde NOPHOTO intentamos aportar nuestro granito de arena, pero también hay muchos otros. Colectivos, asociaciones, escuelas, festivales, editoriales, blogs… en la fotografía española están pasando cosas importantes y, como es habitual, se dan cuenta de ello antes fuera que dentro de nuestro país. Después de todo, la cultura en España tampoco es tan importante, no? O bueno, al menos eso nos quiere hacer ver el ministro Wert con sus decisiones.

One thought on “Iñaki Domingo. Entrevista

Deja un comentario

Tu dirección de correo electrónico no será publicada. Los campos necesarios están marcados *

Puedes usar las siguientes etiquetas y atributos HTML: <a href="" title=""> <abbr title=""> <acronym title=""> <b> <blockquote cite=""> <cite> <code> <del datetime=""> <em> <i> <q cite=""> <strike> <strong>